Amici del Teatro Morlacchi

LA NAZIONE - di SOFIA COLETTI 14 aprile 2009

2009-04-30T21:10:00.005+02:00

ZoeTeatro in Malacorte

2009-04-19T12:19:00.003+02:00

Dove vanno gli attori finito lo spettacolo? Rimangono intrappolati dentro i loro costumi o si affrettano a ricongiungersi ai profili affollati delle nostre città? E le maschere? I trucchi, cappelli, parrucche e abiti di scena, rimangono lì, nel buio della sala, in attesa che qualcuno torni a dargli un po’ di luce? O c’è uno spazio, un luogo, dove seguitano a guadagnarsi attenzioni e in un qualche modo, così facendo, continuano a vivere? Forse si. Forse da qualche parte qualcosa rimane. Una platea, partecipe del gioco teatrale, rimanda, durante lo spettacolo, tensioni, gioie angosce o consensi, finita la rappresentazione si sgretola inevitabilmente in mille particelle, mille persone, ognuna con una propria testimonianza, stato d’animo, sensazione. Questa, d’ora in poi, sarà quel frammento individuale con cui possiamo relazionarci all’infinito. Di certo personale, incompleto, in continuo movimento, dove le maschere reclamano ancora un po’ di spazio, sgambettano vivaci, dentro immagini e percezioni individuali che una volta sedimentate, creano opinione. Proprio di questo ci piace parlare dopo aver assistito alla rappresentazione della compagnia ZoeTeatro che ha presentato, il suo ultimo lavoro, Malacorte. Lo spettacolo, scritto, diretto e interpretato da Michele Bandini ed Emiliano Pergolani con la felice incursione di Claudio Bilotta, è prodotto dal Teatro Stabile dell’Umbria con il sostegno di ETI – Nuove Creatività. Continua così, dopo Quartetto d’ombre del 2005 e Metallo del 2006 la collaborazione dello Stabile umbro con la giovane compagnia folignate. Una conferma necessaria che proietta i due, Pergolani-Bandini, a veri e propri capofila dell’attività teatrale umbra. Se con i primi due lavori, la situazione sospesa, indefinita, serviva a catapultarli verso un al di là (Quartetto d’ombre), o a confrontarsi con una mitologia (Metallo) che a un al di là ne è stretta parente; qui il gioco è ben diverso. Paradossalmente più reale. C’è un Re (Michele Bandini), un Ministro (Emiliano Pergolani) e un Cuoco (Claudio Bilotta). Una corte che gioca al massacro. Liberatasi dal popolo, dai sudditi, alla quale non rimane che rinchiudersi dentro quattro mura e tirare a campare. E qui che entra in ballo il Teatro. Gioco assai perverso, che scaglia barlumi di vita, anche laddove non ce n'è più. Un Teatro che crea corto circuiti, chiamato a protagonista e innalzato a testimone, per ripercorrere una vita di corte, sbagliata, annoiata, alla quale non rimane che l’autodistruzione. Un gioco al potere che nasconde paure non affrontate, prevaricazioni sugli altri, vuoto d’intenti. Ottime le soluzioni sceniche e la funzionalità del disegno luci realizzato da Mirco Duvalloni che gioca a spegnere per gradi la luce e la vita dei tre. E così la morte dei protagonisti del finale, non è che il lieto fine, di modo di intendere il potere, di un secolo appena passato, che solo il Teatro, grazie alle sue finzioni, può smascherare. Questo un po’ il senso del cupo e grottesco Malacorte. Una lucidità che accompagna tutto lo spettacolo, dove la compagnia ZoeTeatro scova una a una le macerie di un secolo lasciato alle spalle tracciando una linea netta, uno zero assoluto, dal quale saranno i primi a dover ripartire. Un punto e a capo da dove improvvisamente le maschere di cui ignoravamo la sorte, trovano il loro modo di continuare a vivere, verso un altrove che ci sopravvivrà e ancora tutto da inseguire.

Il popolo non ha il pane? Diamogli le brioche, di e con Filippo Timi

2009-04-01T17:48:00.009+02:00

Filippo Timi torna a Perugia. Rimpatria pressoché identico a come l’avevamo lasciato. Sempre pronto a mettersi in gioco, prendere in giro se stesso, le sue manie e insicurezze, soffermandosi poi su quelle dei “malcapitati” che catturano la sua attenzione. Con Il popolo non ha il pane? Diamogli le brioche, prodotto dalla compagnia “Santo Rocco e Garrincha”, lo spettacolo vede il nostro “Filo” cimentarsi nei doppi panni dell’attore e del regista (firmando per la prima volta un suo lavoro, accompagnato per l’occasione da Stefania De Santis). La rappresentazione, surreale e scanzonata, si serve della tragedia e maschera di Amleto per utilizzarla come (pre)testo, conducendoci poi verso un qualcos’altro. Più che di un Amleto giustamente vendicatore, Timi, fa dell’eroe shakespiriano un personaggio stanco dei cliché che gli hanno affibbiato, stufo del dover ogni sera tornare in scena indossando i soliti costumi. Avrebbe voglia di fare dell’altro, riuscire per una volta a sdrammatizzare sul proprio destino, prendersi meno sul serio, restare con i suoi amici o le sue donne. Già, le donne di Timi-Amleto. Saranno proprio quest’ultime le principali protagoniste dello spettacolo. Sono vere e belle le donne che circondano l’attore del “Ponte”. Costrette da un’isteria indotta, ma sicure di ciò che provano, trovano sostegno nella comprensione e complicità di questo singolare Amleto. Consapevoli del loro spessore, sapranno vivere e districarsi, tra un divertente soddisfacimento di pruriti sessuali, all’affermazione di profonda coscienza della loro d’identità. Si passerà così in successione da una Marylin Monroe (una fascinosa Marina Rocco) capitata un po’ lì per caso e uccisa dal proprio narcisismo (rievocazione del suicidio dell’eroina shakespiriana Giulietta; morirà grazie al veleno originato dalla statuetta dell’Oscar appena vinto), a una mamma (un’atletica e convincente Lucia Mascino, nei panni di Gertrude, madre di Amleto), passando per un’Ofelia (una bellissima e spiritosa Paola Fresa) che vinte le proprie angosce, dettate dall’autore inglese, saprà farsi innocente e furba, come i veri amori. Ci piace questo Timi che non smette di sperimentarsi, attento a divertire nel rinnovarsi, mettendo la maturità professionale a servizio della sua curiosità da bambino. Sa su chi e come investire l’attore umbro. E di questi tempi disorientati e disorientanti, non ci sembra poco.

Prima parte

Seconda parte

Il Vicario, adattamento e regia di Rosario Tedesco

2009-03-27T18:36:00.005+01:00

Confrontarsi con la nostra storia recente, porta inevitabilmente a riflettere su temi universali. Silenzio, coraggio, sacrificio, sono i veri protagonisti che hanno contraddistinto gli anni oscuri del nazismo in Europa. Prese di posizione cercate, trovate, subite, costrette, hanno dominato il destino di intere generazioni di esseri umani. Lo spettacolo, Il Vicario, si conficca dritto, a distanza di decenni, all’interno di quel dibattito nato postumo, sui ruoli dei diversi protagonisti politici e uomini di fede di quegli anni. Con l’adattamento drammaturgico e la regia di Rosario Tedesco, interprete tra l’altro, di uno dei personaggi della lettura scenica, ottimamente viene riportata alla luce quell’atmosfera contraddittoria vissuta tra falsi proclami, fauste ovazioni e terrori. Agli anni della deportazione degli ebrei nei campi di concentramento, farà da contraltare la figura disumana di Pio XII. Il suo silenzio davanti agli orrori nazisti si fa più forte e riecheggia nei decenni più di ogni altro lamento da perseguitato, da uomo torturato e infine ucciso. Ma questo Vicario, non vuole semplicemente smascherare i silenzi della Chiesa, fin troppo evidenti, ma si prefigge l’obiettivo di restituire corpo e passioni a persone che in quegli anni sono cresciute, maturate e che si son fatte ‘uomini’. Non serve una divisa per sentirsi tali. Tutt’altro. Molto spesso ci si cela dietro ad essa per mascherare scelte che ci spaventano e preferiamo demandare ad altri. Allora ecco a cosa serve una divisa a questo Pio XII, a questi generali delle SS, schiavi della loro rabbia, di quel volersi sentire protagonisti di una Storia che invece li condannerà. Una domanda però si evince e rimane in sospeso tra i leggii e le luci dello spettacolo; dove rintracciare i Riccardo Fontana o i Kurt Gerstein in questi nostri giorni? Ecco l’unico anacronismo di questa messinscena. Ottimi gli attori. Voci e volti oramai noti, anche’essi maturati. Gli occhi spillati di Annibale Pavone nella tirata decisiva del suo Pio XII, la commovente e commossa interpretazione di Marco Foschi, la bellezza spietata di Cinzia Spanò, sono alcune delle impronte d’attori che, da promesse della scena, hanno saputo mantenere la parola data.

Rumori fuori scena di Michael Frayn, regia Attilio Corsini

2009-03-19T01:10:00.015+01:00

La Compagnia Attori & Tecnici rispolvera lo spettacolo con il quale si è resa nota in tutt’Italia. Rumori fuori scena, riproposto in questa stagione dalla compagnia romana, vuole essere un omaggio all’ideatore e regista Attilio Corsini, scomparso durante l’estate passata. Supportata dall’innegabile entusiasmo di Stefano Altieri (Amedeo) e Viviana Toniolo (Vivi) (due dei tre protagonisti che a distanza di 25 anni sono ancora alle prese con questo spettacolo), la compagnia sa ancora farci ridere calibrando i giusti tempi teatrali e mettendo in luce le infinite sfumature del testo di Michael Frayn. Lo sguardo indagatore con il quale l’autore inglese rivela, sotto la luce dei riflettori, le manie, i dubbi e le debolezze dei personaggi-attori, sicuramente esaminati attraverso troppi cliché, sanno però evidenziare l’aspetto più umano e umile di persone che troppo spesso siamo portati a mitizzare. Emerge, per tutta la durata dello spettacolo, la dimestichezza e la capacità interpretativa di un testo con il quale Corsini, sin da subito, ha saputo relazionarsi, valorizzare e fare proprio.

Articolo Corriere dell'Umbria di Sabrina Busiri Vici

2009-03-16T19:29:00.010+01:00

Il teatro visto dal blog di Giulio, Luca e Simone.

Quando la passione si diffonde in rete.

PERUGIA16.03.2009

Una scrivania a due passi dai camerini, sopra computer, registratore portatitle, telecamera e macchina fotografica, un balcone privilegiato da cui rapire qualche scatto, carpire le prime parole degli attori appena fuori palco. Fino a comporre pezzi di teatro direttamente dietro le quinte del Morlacchi, montarli, scaricarli su internet e affidarli alla rete all’indirizzo www.amicidelteatromorlacchi.blogspot.com. Cosa è? E’ un blog e porta la firma di tre ragazzi che vivono a Perugia: Giulio Rossini, Luca Truffarelli e Simone Gallinelli. Neppure trentenni con un interesse viscerale per il teatro tanto da starci dentro, per ora, come maschere, siparisti o come allievi di laboratori. A sostenerli poi, ci sono passioni come la fotografia, la scrittura, il video, ma anche la lettura. E perché no? La “tigna” e la curiosità. Allora si può fare di più. Quasi due anni fa hanno iniziato a lavorare per alimentare il bolg, da loro aperto, “Amici del teatro Morlacchi”. Uno spazio nero che loro tre riempiono con recensioni, interviste, foto, video e curiosità sui protagonisti della stagione teatrale del teatro più prestigioso dell’Umbria. Il meccanismo funziona più o meno così: il mercoledì va in scena la prima replica dello spettacolo in cartellone. Quindi Giulio, Simone e Luca iniziano a lavorare per ottenere l’intervista e farsi concedere scatti e riprese; poi Simone, in particolare, scrive la recensione dello spettacolo; mentre Giulio e Luca lavorano su video e foto. Dal venerdì il loro lavoro e la loro documentazione sono sul blog da leggere e commentare. Ovviamente se tutto va liscio. E non è sempre così. C’è chi, tra gli attori e registi, decide di non concedersi, come Luca De Filippo e Lina Sastri per citare due personaggi passati di recente per Perugia. C’è chi, invece, si dà con generosità, come Franco Branciaroli, Elena Bucci, Ascanio Celestini, Silvio Orlando, addirittura sfoderando tutte le capacità attoriali per una performance improvvisata o discorsi in libertà Per ora il blog, primo in Italia con queste caratteristiche, conta 200 iscritti e rileva circa 400 visite mensili. Ma si può fare di più. “Il salto - lo sognano Giulio e Luca - sarebbe parlare degli spettacoli in anteprima, magari girando l’Italia e andando a vedere i debutti delle messiscene che arriveranno in Umbria. E, poi, potrebbe diventare un servizio esteso all’intera offerta teatrale della regione con una selezione mirata degli spettacoli”. A frenare i progetti c’è il budget, assolutamente risicato per potersi muovere di teatro in teatro a caccia di anteprime. A meno che non intervengano le istituzioni. Il Teatro Stabile dell’Umbria per ora non ha formalizzato nessun tipo di aiuto concreto all’iniziativa che può comunque tornare utile alla stagione. Altro appello è stato fatto all’assessore alle Attività culturali del comune di Perugia. Ad Andrea Cenrnicchi i tre blogger hanno chiesto un sostegno di economico per arrivare a un budget minimo (valutato sulle 30 mila euro) e trasformare lo spazio in un vero e proprio sito e, poi, uscire dai limiti del video e portarsi nelle piazze. “Con un festival - azzarda Luca Truffarelli - in cui si invitano gli artisti affermati e si chiede loro di intervire per promuovere giovani talenti. Insomma, a Perugia i maestri della scena diventerebbero testimonial di esordienti attori, registi”. Si può fare di più. E i progetti al gruppo non mancano. “Per noi è una sfida, è una scommessa - considerano con dissimulato distacco - se non decolliamo, cambieremo rotta”. C’è Giulio che pensa già all’Accademia Paolo Grassi e Luca invece vorrebbe vedere il mondo con l’occhio della macchina fotografica che porta al collo. Si può fare molto. Cominciando proprio dalla fantsia di un blog.

Luca Zingaretti legge La Sirena

2009-03-06T14:23:00.006+01:00

Leggere a teatro comporta i suoi rischi. Se non si è supportati da una indiscutibile capacità interpretativa, una musica o una scenografia che sappiano evocare, allora il compito si fa veramente arduo. L’operazione teatrale che Luca Zingaretti ha presentato per questo suo “spettacolo”, La Sirena, tratto dal racconto Lighea di Giuseppe Tomasi di Lampedusa (autore dell’indimenticabile Gattopardo), ci ha lasciato perplessi. Sarà per la recitazione effettata, piena di gesti ampollosi, inutili, monocorde, da declamatore di altri tempi. Sarà per l’accompagnamento di motivi musicali, difficile da capire su quali canali percettivi dialogassero con il racconto. Sarà per l'atmosfera ricreata, più consona a una lettura da locale serale. Sarà un po’ per questo, un po’ per altro, ma a un certo punto ci è venuto da chiederci cosa facessimo lì. Potere della televisione. E poi, la Xenia II di Montale, “Ho sceso, dandoti il braccio, almeno…”, già, almeno quella recitata a memoria!

ARTICOLI DEL BLOG

2009-02-26T16:52:00.010+01:00

GIORNALE DELL'UMBRIA 21 febbraio 09

PIACERE MAGAZINE marzo 09

Happy Family di e con Alessandro Genovesi

2009-02-26T10:05:00.009+01:00

All’interno di un teatro per osservare il turbinio di personaggi creati dalla mente affollata di uno scrittore. Alessandro Genovesi pirandellianamente sul palcoscenico con le sue neonate creature, recita il ruolo del giovane autore alle prese con una trama che gli si forma in testa e prende vita immediatamente sul palcoscenico. “Happy Family” si fa godibile grazie a un’ottima idea drammaturgica con taglio cinematografico, dialoghi veloci, brevi monologhi, fa vivere la commedia di leggerezza che si intreccia lungo molte vite per raccontare una quotidianità di ordinaria nevrosi, paura della solitudine, insicurezze di ogni tipo, bisogno d’amore. Già, dell’amore in primo luogo, dell’infinita possibilità di incontrarsi e delle piccole e grandi angosce contemporanee. Ma la vera bravura di Genovesi sta nel mettere a fuoco e dialogare con le sfumature dei sentimenti umani, di giocarci, di suscitare emozioni per poi abbandonarle e di nuovo riprenderle, passando in un attimo dal divertimento alla commozione più sfacciata. Sa inventare personaggi che lascia liberi di dissentire, commentare, intervenire con cori nell’azione, persino di pretendere modifiche alla parte, finché, pedalando verso il proprio destino, egli a sua volta si mescola definitivamente con loro. Genovesi non lascerà però mai la doppia veste di personaggio-autore, implicato nella commedia e allo stesso tempo coinvolto e appassionato nel codificarla. Scruterà difetti e debolezze umane che tramuterà in poesia scacciando per un po' il terrore quotidiano di vivere a metà, di essere scontati e soli. Il vero insegnamento arriverà poi dal proprio cane che pensa in francese, interpretato dal divertente e divertito Jean-Cristophe Potvin. Scoprirà anch’esso il vero amore ma sarà l’unico capace di seguire il proprio istinto fino in fondo.

Franco Branciaroli con Don Chisciotte

2009-02-21T12:49:00.012+01:00

“Si imita per mostrare ciò che si è preso in prestito, per far vedere che non si possiede nulla, come gesto di umiltà”. Questo l’incipit con cui Franco Branciaroli introduce il suo personalissimo Don Chisciotte. L’attore milanese si cela dietro le voci, le movenze e i vizi di Vittorio Gassman e Carmelo Bene e attraverso loro, svela i propri Don Chisciotte e Sancho Panza. In realtà però il suo vero scopo è quello di tracciare una linea ideale tra realtà e immaginazione, tra platea e palcoscenico, tra un tempo finito (quello dello spettatore) e un tempo eterno (quello dei simboli, dell’arte, della morte), fra se stesso e quei due e, in fin dei conti, è di se stesso che ci parla. Ecco allora che il Chisciotte e il suo scudiero vanno contro i mulini a vento, scrivono lettere immaginarie, bevono esclusivamente “biondo amico della notte” il primo e gin il secondo, con divertita scioltezza. Del Don Chisciotte ‘paladino contro l’ingiustizia’ rimane ben poco, se non un’interpretazione della finzione-realtà mai umile, ma giustamente in perenne movimento, come un viaggio da errante. Mentre Branciaroli "fa le voci": quella di Gassman, tutta di diaframma e quella di Bene, tutta nasale, improvvisamente salta in mente la potente similitudine che l’attore riporta in scena. Quel sottotesto dello spettacolo che lui stesso, meglio di chiunque altro, sa affermare: “Il Cavaliere dalla triste figura impersona la deriva, l’ultima spiaggia cui viene costretto il teatro. Rischiamo non più di vedere un’osteria come fosse un castello, ma di vedere un’osteria come fosse un teatro.” Da qui quindi possiamo partire per farci guidare dalla suggestiva scena disegnata da Margherita Palli e dall’atmosfera ricreata dalle splendide luci di Gigi Saccomandi, in cui, in perenne sintonia tra loro, spiano prima, vivono poi, un aldilà sì promettente, ma grazie a un aldiquà, dove i Maestri vengono, sin da subito, dimenticati.

Filumena Marturano con Lina Sastri e Luca De Filippo

2009-02-11T18:35:00.005+01:00

Se Filumena non sa piangere è perché la miseria e la durezza del vivere raggelano. Icona degli umili, dei disperati, la più famosa popolana napoletana, viene sfruttata e costretta a rimuginare il suo passato, la povertà che l’ha generata, le umiliazioni che ha dovuto patire e con le quali si è fatta donna. Francesco Rosi mette in scena la commedia di Eduardo con rigore, consapevole della grandissima forza del testo, dell’intreccio che avvince, dei colpi di scena che emozionano. Purtroppo del suo lavoro rimarrà ben poca traccia. Il testo sa vivere di luce propria a dispetto delle scelte registiche. Luca De Filippo sarà per tutto lo spettacolo imbrigliato dentro il proprio personaggio. Fedelissimo al testo, non ne uscirà mai fuori. Neanche quando ci si aspettava uno scatto recitativo subito dopo la propria scoperta del neonato sentimento paterno. Il realismo poetico del mondo di Eduardo rivivono, invece, in Antonella Morea e Nicola di Pinto, caratteristi che, divertendo, tengono in pugno le file della trama. Sanno felicemente rendere concrete le loro gag, tutte napoletane, filosofeggiando intorno a una “tazzuriella de cafè”. La servitù, come i figli, beneficiano delle felici divagazioni di Eduardo. “Filumena Marturano” è un testo di intatta freschezza, estremamente attuale, coinvolgente, che ha la sua forza primaria di una donna che lotta per affermare la propria dignità di donna e madre. Lina Sastri, fa della sua Filumena una sorta di Medea che lotta per vincere non tanto sull'uomo che continua a umiliarla, ma per vincere la battaglia della vita. Varie volte, durante i suoi lunghi monologhi, ci affiorava alla mente, l’eroina del mondo classico. La Sastri, si esprime in un dialetto più chiuso e ostico, difficile da comprendere, in cui mette in evidenza la diversa condizione sociale, di questa Filumena. È il linguaggio che la differenzia, la rende passionale e reale. Monologhi che tutti, in scena e in sala, ascoltano in religioso silenzio. Come non essere vinti dai ricordi di quell’infanzia, quando su monito del padre, viene invitata ad andarsene. Filumena ci racconta il suo sentirsi addirittura attanagliata dai sensi di colpa, quando per fame, allungava la forchetta, nell’unico piatto messo al centro del tavolo, dove la famiglia si sfamava. La magia di Eduardo, a quasi venticinque anni dalla sua scomparsa non si esaurisce. Sentimenti e stati d’animo ottimamente tradotti anche nella suggestiva scenografia di Enrico Job, anch’egli, recentemente scomparso. Un interno di casa Soriano, rinchiuso in una gabbia a maglie intrecciate, dove le ragioni umane si incontrano e scontrano, osservate sullo sfondo, da una Napoli di età angioina. Questo il terreno impervio che Filumena combatterà, vincerà, per poi liberarsi in pianto. Applausi più e più volte incalzanti.

Cosi è (se vi pare) per la regia di Massimo Castri

2009-01-26T09:41:00.003+01:00

Siamo all’interno di una sala da ballo durante un carnevale anni Venti. Tra la musica alta, un chiacchiericcio di sottofondo, le coppie già alticce in sala che si tirano coriandoli d'argento e sfilano, come per presentare se stessi agli intervenuti, espongono, in conversazioni affannate e volutamente poco intelligibili, l’antefatto della commedia di “Così se (se vi pare)”. Ci si aguzza l’udito, ci si vorrebbe spostare, avvicinare, fino al punto di ritrovarsi là, dentro la sala da ballo, tra gli attori. Al centro del loro cicaleccio ci sono le oscure vicende dei coniugi Ponza e la Signora Frola.

Un ballo di burattini in carne e ossa e in abito da sera, eccentricamente mascherati, mettono in luce l’immagine cruda ma anche comica di una società allarmata dall’arrivo di un qualcosa o qualcuno che non si conosce.

Questo “Così è (se vi pare)” si distingue prima di tutto per la motivazione e la destinazione dello spettacolo che nasce da un corso di perfezionamento per giovani attori. Grazie alle capacità e all’entusiasmo degli interpreti, Massimo Castri, ha trovato l’habitat ideale per scavare fino in fondo le pagine del premio Nobel isolano.

Tutto un paese si affanna per sapere quale sia la verità intorno allo strano comportamento della famiglia Ponza. La curiosità nasce dal fatto che la sedicente madre della Signora Ponza, la Signora Frola, non vive con la figlia e il marito, anzi non entra neanche in casa loro, comunica con la figlia solo attraverso dei bigliettini scambiati per mezzo di un cestino calato dalla finestra. La scena si spacca in due. Da una parte il gruppo degli indagatori, dall’altra gli indagati. Ognuno con una propria “verità”; anzi, con all’interno di ciascuno gruppo, una miriade di sfaccettature che la rendono complessa, fino a farla diventare una “non-verità”.

Pirandello si era ispirato a un fatto di cronaca. Ma anche qui come in tutta la drammaturgia pirandelliana, l’oggettività è impossibile da conoscere e appare assai diversa a seconda del punto di vista. Con il risultato che il mistero da cui la storia ha preso l'avvio - la moglie del signor Ponza è la figlia della signora Frola, oppure un'altra? - resta sempre fitto. Anche e soprattutto quando, con quel gran colpo di teatro, appare la giovane donna, moglie di Ponza. I toni del grottesco, con i quali Castri ha giocato fino all’eccesso, servono forse per smascherare un qualcos’altro, più difficile da dirsi. Forse esiste un ménage à trois, addirittura incestuoso. Un argomento che verrà trattato in maniera più approfondita da Pirandello nel poco più in là, “Sei Personaggi in cerca d’autore”. Neanche alla fine, quando l'intervento del Prefetto impone la presenza della reclusa, la verità verrà fuori; o, meglio, ci si dovrà contentare dell'affermazione della signora Ponza, di essere contemporaneamente tutte le cose che sono state dette e nessuna. La verità non è nell'oggetto, ma nella percezione del medesimo.

Castri ci avvicina alle pagine di Pirandello senza scortarci, senza linee guida e ogni spettatore potrà reagire come meglio crede. Potrà, in totale libertà, tirar fuori dallo spettacolo ogni più personale interpretazione, non dimenticando mai però, che ogni verità, anche la più convincente, ne nasconde un’altra, più difficile da dirsi. Una libertà che sa tanto di solitudine.

Il Dio della carneficina con Anna Buonaiuto, Silvio Orlando, Alessio Boni e Michela Cescon

2009-01-16T11:32:00.008+01:00

Un interno familiare popolato da due coppie. Altrettanti accoglienti divani. Libri d’arte ben ordinati sul tavolo basso. Fiori freschi a fare da cornice. E poi tè, caffè e torta di frutta appena sfornata, da offrire agli ospiti. Ci sono tutti gli ingredienti per descrive al meglio, dal di dentro, le manie, le smanie e la condizione psicologica piccolo borghese, di un affresco famigliare.

Un’intelligente e attenta commedia di Yasmina Reza, una delle autrici francesi più rappresentate nel mondo, che con questo Il Dio della Carneficina, raccoglie e amplia un filone drammatico che ha visto e vede la famiglia (intesa nel suo significato più classico) al centro della scena, smascherandone il perbenismo austero di stampo borghese. Molte volte il teatro ha fatto proprio questo soggetto. Vengono subito in mente i testi, Chi ha paura di Virginia Woolf ? di Albee del 1962, Sabato, domenica e lunedì di De Filippo del 1959 e poi le opere di Ibsen, Strindberg, Cechov, per non parlare poi del cinema, con i suoi I pugni in tasca di Bellocchio del 1965, Family life di Loach del 1971, Gruppo di famiglia in un interno di Visconti del 1974, Scene da un matrimonio di Bergman del 1973 e così via.

L’originalità di questo testo della scrittrice di origine iraniana, sta nell’aver escluso dalla scena, i veri protagonista della commedia, i figli. Sentiamo parlare di loro soltanto attraverso i racconti dei rispettivi genitori. Ma i figli, non sono la realizzazione di una proiezione che i genitori hanno di loro? Non agiscono forse, soprattutto in tenera età, in base e per desiderio di uguagliare le sollecitazioni che gli provengono dal loro “esterno” più vicino? Allora di che stupirsi? Ma andiamo per ordine. Véronique e Michel Houillé (due favolosi Anna Bonaiuto e Silvio Orlando), genitori del piccolo Bruno, ricevono in casa Annette e Alain Reille (Michela Cescon e Alessio Boni), genitori di Ferdinand, che ha colpito al viso il loro figlio in una lite di strada. Le due coppie sembrano benintenzionate, hanno deciso di incontrarsi civilmente per regolare la faccenda. Ben presto però la loro conversazione assume toni aggressivi, litigiosi. Una coppia contro l’altra. Dissidi e rancori che si scatenano all’interno della prima, poi della seconda. I due uomini che si coalizzano contro le rispettive mogli, le due donne che contrattaccano facendo altrettanto. Tutti accomunati nel celare l’amarezza di scelte nate sbagliate. Nell’aver cercato nel vuoto altrui quel qualcosa che fosse riuscito a riempire il proprio. In questo si, sono veramente unite. L’aggressività, il cinismo e il delirio da perenni inquieti, fa emergere il loro aspetto più animalesco, barbarico, figlio, questo si, della nostra primordiale paura della fine, della morte. Già i figli. Li abbiamo lasciati assenti dalla scena, convinti come siamo che le loro aggressive azioni provengano da tutt’altra parte. Con i loro occhi spalancati sul mondo, agiscono attraverso insane scorciatoie. Ma il loro grido animale che suona a noi come campanello dall’allarme, è questo si, la testimonianza che sono alla ricerca di un vero “Teatro” di vita, che sappia ancora incantarli.

Il siparietto finale, con quel gesto isterico nel mettere a subbuglio il salotto e scaraventare in aria i fiori del decoro, ha tutti i tratti di un’invitante esortazione a reinventare e ripensare la famiglia. Dal principio. Già dal suo primitivo significato etimologico.

Una scena intelligente, quella realizzata da Gianni Carluccio, che inclinando verso la platea la base circolare, in cui è stato sistemato questo interno familiare, mette ancor più in bocca le risa e l’amaro retrogusto di questa commedia.

Hedda Gabler - Elena Bucci, Marco Sgrosso

2009-01-10T02:39:00.013+01:00

Un gioco al massacro. Un ambiente domestico allestito dalla confortante apparenza, di un salotto borghese. Nulla è mai vero fino in fondo, di quello che si dice. Sono i gesti, le ossessioni, le prevaricazioni a tradire le persone.

Hedda, figlia del generale Gabler, ha sposato Tesman, un mediocre intellettuale che aspira a una cattedra universitaria. È infastidita da se stessa, dalle sue scelte, dai suoi frivoli corteggiatori e da Thea, l’antica amica di collegio, divenuta la musa ispiratrice di Lovborg, intellettuale geniale e sfrontato, molto più interessante di suo marito. Si risarcisce solo quando potrà esercitare sadicamente un influsso perverso su Lovborg, suo vecchio spasimante, sottraendolo così all’amore angelico di Thea. Hedda è incinta. Ma neppure suo marito se ne accorge. Vive la sua gravidanza come un’ulteriore frustrazione esistenziale. Non c’è posto per la vita in questo salotto borghese. Forse neppure per la morte, se non praticata di nascosto, in un ultimo estremo atto di intimità. Sarà la notte (maschera madre per eccellenza), con il suo fare orgiastico, a svelarci la nudità dei nostri protagonisti. Al termine di una serata “brava”, Lovborg ha perso il suo eccezionale manoscritto che ha appena finito di comporre. Tesman l’ha ritrovato e vorrebbe restituirlo ma Hedda se ne impossessa. Inviterà poi il brillante ma disperato intellettuale a darsi una bella morte. Dopo di che brucia il manoscritto. Lovborg si è ucciso, ma Thea ha conservato gli appunti del manoscritto perduto. Tesman si sente in dovere, per la memoria dell’amico, di collaborare con Thea per ricostruire il capolavoro perduto. Hedda si ritira in una parte del salotto, dove sono raccolte le memorie di suo padre e si uccide.

Lo spazio scenico e il disegno luci di questo spettacolo riescono a fare propri la spietata sincerità del teatro: non c’è nessuno degli oggetti nominati, nessuna villa, nessun salotto. Ci sono solo sette sedie e disegnati a terra forme di quadrati che diventano labirinti. In questi, le nostre maschere si danno la caccia. Non c’è nessun personaggio positivo in questo dramma di Ibsen. Il Bene e il Male si adulano, si annusano, mettono in scena la loro danza orgiastica relegando gli esseri umani a semplici comparse. Marionette lasciate lì, nel buio del teatro.

Un gioco al massacro dicevamo. In cui il Teatro è il vero protagonista di questo spettacolo. Un Teatro che di mascherare e smascherare i suoi ospiti, se ne intende. Non ci rimane che stare al gioco.

Gomorra - Roberto Saviano, Mario Gelardi

2008-12-19T15:02:00.010+01:00

Una Gomorra di camorra. Genesi del nostro vivere quotidiano. La versione teatrale del libro di Roberto Saviano porta in scena solo cinque (tutti maschili) dei personaggi del romanzo, più la rappresentazione dello stesso autore, interpretato da Ivan Castiglione. Nella versione cinematografica di Matteo Garrone (Estate romana, L’imbalsamatore, Primo amore) in cui, più che le singole vicende umane, era il clima di terrore che si respirava nell’intera durata della proiezione, era il nodo alla gola che caratterizzava il film, a teatro invece, sono le singole storie, i singoli uomini a farla da padrone. Un continuo rincorrersi di personaggi e storie. Dove le maschere (mai come in questo caso reali) si superano, si affiancano, si fermano ad ansimare per la fatica. Dopo e grazie al successo editoriale di Gomorra, il compito di una trasposizione teatrale è quella di andare oltre il libro. Il Saviano che torna a Casal di Principe a parlare in piazza, in quella piazza ostile, in cui ci sono gli uomini che lo vorrebbero “altrove”, che vorrebbero chiudergli la bocca, ci sembra un buon escamotage per raccordare le singole storie, di farle vivere in un universo più assoluto. Un segno di speranza in una realtà priva di rinascita. L’aria da bravo ragazzo, ingenuo ma convinto, grillo parlante attivato dalla coscienza, invece, un po’ meno. La città immaginata dallo scenografo Roberto Crea, sempre in costruzione o sempre in decadenza, riporta bene in scena il disfacimento di un luogo, parafulmine di un’intera nazione. Una nota a parte ci piace regalarla a Ernesto Mahieux, egregiamente calato nella parte del sarto (nel film di Garrone interpretato da Salvatore Cantalupo) che umiliato dalla camorra, si ritrova in una fabbrica clandestina gestita da un prestanome dei boss della camorra a confezionare abiti che indosseranno le star di Hollywood. Ci sono due livelli di racconto, quello più istintivo, animalesco, violento, costituito dal braccio armato della camorra e quello imprenditoriale, che non si sporca mai le mani direttamente, che coordina a distanza e che ha interessi in tutto il mondo. Tutti e due ci interrogano da vicino.

Enrico IV - Ugo Pagliai Paola Gassman

2008-12-10T16:19:00.010+01:00

Dopo dodici anni di vera follia, il re, risvegliato dalla sua condizione, prende coscienza che “tutto era finito”: che era invecchiato senza aver vissuto la sua vita. “Era arrivato con una fame da lupo a un banchetto bell’e sparecchiato”. “Preferii restare pazzo e vivere con più lucida coscienza la mia pazzia”, in contrasto “con chi vive agitatamente, senza saperla e senza vederla la sua pazzia”. Nell’allucinante monologo del finale, la follia appare come saggezza e la saggezza come inconsapevole follia. Il gioco delle parti. Il concetto freudiano per cui “la normalità non esiste”, convive con l’inquietante consapevolezza di essere per gli altri qualcosa di molto diverso da quello che noi siamo per noi stessi. Tutto ruota intorno all’inestinguibile contemporaneità del disagio esistenziale, della ricerca di un’autenticità. Il delitto compiuto ai danni del rivale in amore Belcredi, sarà così il gesto estremo, l’inevitabile resa che condanna per sempre alla parte di Enrico IV il nostro protagonista, il quale avrebbe dovuto ricominciare a vivere e che invece è stato costretto dal suo autore a scontare la pena di essere re folle per sempre, nel suo inferno personale. Una nota a parte ci piace dedicarla alla scenografia realizzata da Graziano Gregori. Parte essenziale di questo spettacolo, originale in quanto a funzionalità, ci fa spiare la pazzia di Enrico in tutte le sue sfumature. Grazie a ‘quinte armate’, la scena, viene vivisezionata a più scomparti, dove le singole maschere sono impossibilitate a scrutare le ragioni delle scelte altrui. Sia all’interno di essa, che ai suoi margini, vediamo i personaggi affannarsi dentro una scatola claustrofobica fatta di muri. Si muovono come marionette tenute in vita solo dai fili insondabili del caso. Il sipario poi, calato in scena poco prima del finale, intrappolerà Enrico in un al di qua, in cui non è difficile immedesimarsi.

Alberto Massazza in Canti Orfici di Dino Campana

2008-12-10T16:14:00.006+01:00

Foyer Teatro Morlacchi - lunedì 24 novembre

Soltanto un pazzo, soltanto un poeta!
Attraverso l'interpretazione del testo vengono messe in scena le vicissitudini artistiche e biografiche di Dino Campana, vero cane sciolto della poesia italiana del primo novecento ( "unico vero pazzo" com'ebbe a dire il critico Carlo Bo.) Direttamente dalla parola campaniana scaturisce la sua vicenda biografica fatta di disagio psichico, contraddizione religiosa e alienazione sociale.

Ringraziamo Stefano Dottori per le foto.

GOMORRA - Staffetta di lettura

2008-11-22T16:27:00.014+01:00

Pomeriggio di solidarietà per Roberto Saviano al Teatro Morlacchi.

La panne. Ovvero la notte più bella della mia vita.

2008-11-19T12:51:00.011+01:00

Una giustizia ubriaca. Bisognosa di reati per giustificare la sua esistenza. Un percorso giudiziario bizzarro, dove la consueta ricerca di prove schiaccianti operata dal pubblico ministero, lasciano il passo a una indagine introspettiva che sa tanto di seduta psichiatrica ai danni dell’accusato. Il tutto alleviato da succulenti piatti e da ottimo vino. Tanto vino. Il malcapitato Alfredo Traps, simbolo della perbenista e borghese società svizzera si ritrova, suo malgrado, a fare i conti con la propria coscienza. Un gioco perverso e reale, dove i delinquenti si mescolano agli innocenti e viceversa. Ma soprattutto dove il filo sottile che differenzia gli uni dagli altri, scompare. Siamo tutti colpevoli ci dice Durrenmat. Restiamo in vita solo grazie alla capacità di dribblare i nostri sensi di colpa. Una capacità che Alfredo Traps non possiede. Tra un bicchiere di vino e l’altro, tra scroscianti risate e ammiccanti sguardi alla nipote del vecchio giudice, si avvia a poco a poco a compiere il suo gesto estremo. Ma la corte stava solo giocando. Era il suo passatempo.

Volantino distribuito in teatro

2008-11-17T09:52:00.009+01:00

Ringraziamo Federico Zetti per la realizzazione grafica e il Teatro Stabile dell'Umbria per il contributo alla stampa.

Mario Perrotta - Odissea

2008-11-07T10:46:00.014+01:00

Un giocoliere di parole. Un palcoscenico convertito in un foglio bianco nel quale l’attore si agita scrivendo e disegnando il suo personale racconto. Mario Perrotta accompagnato dalle voci musicali vagamente etniche (Mario Arcari e Maurizio Pellizzari), ha presentato la sua Odissea vista da più di due millenni di distanza e rievocata da un mare che non fa dimenticare, ma che addirittura parla, si fa personaggio. Da Itaca al Salento, i versi di Omero vengono setacciati e riportati in superficie da un dialetto leccese in bocca a un pescatore (Antonio). Questi, da tutti riconosciuto come il demente del villaggio, nutrendo il mare, tra un racconto e l'altro, ha il tempo sospeso e la capacità, di volgere lo sguardo più in là. Trova consapevolezze che hanno i tratti e le sembianze di un Telemaco (figlio di Ulisse), vero protagonista di questa Odissea. Un figlio abbandonato, bisognoso delle testimonianze altrui per non sentirsi orfano. Che grazie ai racconti del pescatore acquisirà una sensibilità poetica che lo unirà idealmente al padre e lo avvicinerà ad una madre mai come allora compresa.

foto scattate durante le prove

Ascanio Celestini - Radio Clandestina, Scemo di guerra

2008-10-17T13:00:00.003+02:00

L'artista che fa politica. Il Teatro che fa politica. L'attore che fa politica.

Ascanio Celestini, si burla di tutti quegli intellettuali trincerati dietro le proprie 'cortine di ferro', riportando alla luce semplici testimonianze, racconti personali, storie di uomini "normali", riuscendo a elevarle a memoria collettiva. Tra nomenclatura, servilismo e baronaggio di sinistra e ignoranza arrogante fascista, l'attore romano prova a tracciare una terza strada. Quella della consapevolezza, della memoria. Roma è il suo quartiere. I tragici fatti avvenuti nella capitale sul finire della seconda guerra mondiale, il suo tempo storico. Seguendo la scia di quella tradizione della letteratura orale, bagaglio infiniti dal quale attingere, Celestini racconta di uomini divenuti personaggi. Di suo padre. Di uno scemo di guerra. Dei tragici fatti avvenuti in quegli anni. Narra e ci trasporta. Dentro il Tempo. Dentro una Tradizione. Si sofferma su inquietudini, paradossi, analogie tra quel Tempo e il Nostro. Trova similitudini. Protagonisti e arroganze simili. stesse paure affrontate con la sterilità dell'arroganza. Chiese accondiscendenti. Quel Tempo tarda a sembrarci lontano. Ma a questo si può o non può credere. Rimangono semplici considerazioni alla 'Giufà'.

foto scattate durante le prove

Incontro con Gherardo Colombo - Alessandro Riccini Ricci, Prof. Guerra

2008-10-08T16:17:00.000+02:00

Incontro con Oliviero Diliberto - Prof. Guerra

2008-05-21T20:24:00.000+02:00

Presentazione del Libro - "LUDOVICO ARIOSTO COMMEDIE. LA CASSARIA, I SUPPOSITI."

2008-04-23T21:26:00.000+02:00

Sono intervenuti:

Giovanni Falaschi, Carlo Pulsoni, Alessandro Tinterri, Massimiliano Tortora.

Letture di Ciro Masella

MICAMADONNE - di e con Virginia Virilli

2008-04-21T21:51:00.000+02:00

Foto scattate durante le prove pomeridiane.

2008-04-21T11:55:00.000+02:00

Un teatro tutto al femminile. Dove fantasia, sensibilità di donna e capacità attoriale si mescolano tra le parole e i movimenti di questa attrice, scrittrice e giovane talentuosa performer spoletina.
Virginia Virilli è stata segnalata come nuova interprete under 30 ai premi Ubu e si è aggiudicata il premio nazionale per la drammaturgia Donne e Teatro 2007, proprio con la presentazione, sotto forma di studio, di Micamadonne.
Il Teatro Stabile dell’Umbria, insieme all’associazione Demetra e con la collaborazione del Comune di Spoleto, assecondando l’esigenza di dare spazio ai nuovi talenti del territorio in cui opera, ha deciso di produrre questo emozionante lavoro, Micamadonne, che vede un allestimento per un massimo di 50 spettatori a sera, seduti su delle gradinate collocate sul palcoscenico del teatro Morlacchi.
Lo spettacolo, articolato in quattro monologhi (Mammamiro, Sbinnonna Speranza, Pisciatina, Roy) che si susseguono e richiamano a vicenda, in un continuum volto a interpretare e dispiegare un’infanzia vissuta tra l’ angusta cornice della “conca” spoletina.
Attraverso le tavole del palcoscenico, stagliate da geometriche luci, la Virilli ci accompagna dentro un percorso di conoscenza liberatorio, dove la curiosità, la voglia di scoprire e capire ciò che la circonda, eleva un’età infantile, pressoché comune, a protagonista. Giochi di luce tra le ombre, funzionali alla scena, in cui pian piano la protagonista prende coscienza si sé, del suo corpo, delle sue prime voglie, dei suoi primi contatti con gli altri suoi simili. Luoghi della memoria appartenuti a tutti. Spazi fisici trovati per caso e per caso elevati a luoghi da dover poter spiare il mondo senza essere visti. Rifugi oscillanti. Diversi per ampiezza. Spazi fisici (il sotto di un tavolo, una doccia della piscina, il letto della nonna) interiorizzati, da dove andarsi a scoprire.
Momento più divertente e surreale della serata, il dialogo tra le parole fantasiose e gioiose della giovanissima protagonista e la concretezza verbale delle parole del dialetto spoletino pronunciato dalla corporea e scettica nonna.
Virginia Virilli, rispolverando quell’antico e suggestivo teatro di narrazione, facendo leva sul suo passato da danzatrice, sa, come pochi, riempire gli spazi e i tempi del palcoscenico, monologando a ritmo di danza.
Rappresentazione delicata, preziosa e riconciliante.

Incontro con Valeria Parrella - Prof.Guerra

2008-04-12T02:04:00.000+02:00

Incontro con Ciro Masella - Viaggio tra le "Medea"

2008-04-08T19:58:00.000+02:00

Il Mercante di Venezia - con Eros Pagni - di William Shakespeare

2008-04-06T22:29:00.000+02:00

Luca De Fusco ci presenta il suo "Mercante di Venezia"

2008-04-06T12:09:00.000+02:00

“Per quale ragione un infallibile genio teatrale come Shakespeare – si chiede il regista - conclude la trama del Mercante nel quarto atto, ma invece di calare il sipario ne scrive un altro intero, in cui sembra non avere molto altro da aggiungere e divaga, parlando di musica e anelli? Questa domanda mi tormentava durante i mesi di studio di questa regia, facendomi sentire come un detective che cerca di decifrare il “vero” significato del Mercante.
Mario Praz, uno dei più grandi studiosi di letteratura inglese che l’Italia abbia avuto, dice che la grandezza immortale dell’opera di Shakespeare, come di tutti i grandi capolavori, sta nella sua enigmaticità, nel suo “mistero”.
Shakespeare a mio parere non conclude il Mercante con il quarto atto, perché non ha inteso raccontare solo la storia di Antonio e Shylock ma anche quella di Porzia. E vuole riaffermare la superiorità del gioco sui traffici, della fantasia sulla realtà. Ecco perché conclude questa sua parabola sulla inafferrabilità del reale con l’affascinante quinto atto, dal significato più che mai inafferrabile. Esso si apre con un’ode alla musica che è un atto di amore verso l’immaginazione e quando Lorenzo critica l’animo di chi non si fa emozionare dalla musica, sembra parlare della cinica comunità di mercanti che abbiamo da poco lasciato.
Che cos’è poi la scena degli anellini se non l’ennesima messa in scena di Porzia? La ragazza la costruisce chiaramente ad arte. Prima rende solenne la consegna del gioiello. Quindi induce Bassanio a tradire questa consegna e infine crea un lieto fine che riporta tutto in equilibrio, ma la riconferma come regista della vita sua e degli altri.
Ecco perché la fine di Shylock non coincide con la fine della commedia. C’è ancora bisogno dell’epilogo in cui Belmonte sconfigge Venezia. Alla fine di una lunga indagine su un testo così affascinante, una sorta di prisma sfaccettato in cui non si finisce mai di scavare, mi sono trovato in mano ciò che non avevo certo immaginato all’inizio: un atto d’amore verso l’arte, l’immaginazione, in definitiva, il teatro.”
Luca De Fusco

Incontro con Giulia Carcasi - Prof. Guerra

2008-03-31T22:15:00.001+02:00

Incontro con Prof. Giacchè su Carmelo Bene

2008-03-31T21:57:00.000+02:00

Incontro con Carla Sereni - Prof. Guerra

2008-03-31T21:54:00.000+02:00

Archivio eventi amici del teatro

2008-03-29T20:42:00.000+01:00

Comunicato I

11 febbraio 2008

Qualche settimana fa, ci siamo ritrovati insieme ad alcuni appassionati di teatro, che da sempre seguono con attenzione le attività teatrali nella nostra città, con l’intento e le voglia di partecipare in maniera più attiva adoperandosi in qualcosa di utile allo sviluppo e alla diffusione della cultura teatrale a Perugia e nella nostra regione.
Da spettatori attenti, vorremmo condividere con il maggior numero di persone possibile, impressioni, valutazioni, opinioni su spettacoli e promuovere attività che possano arricchire il movimento teatrale regionale.
Ci piacerebbe dedicare un po’ del nostro tempo a organizzare iniziative di confronto, di studio, di promozione del teatro in modo particolare verso i giovani che, potrebbero trarre soddisfazione e motivo di crescita culturale, oltre che di sano divertimento, proprio da un’attività che non può che fare innamorare chi ci si avvicina.

Ci siamo incontrati un paio di volte e, affidandoci a riflessioni estemporanee, abbiamo tentato di definire alcuni obiettivi principali:
· Promuovere iniziative idonee a far conoscere meglio i programmi teatrali. Allo scopo di incrementare la frequenza del pubblico agli spettacoli, vorremmo sviluppare un dibattito culturale, trasmettere l’amore per il teatro collaborando alla realizzazione di incontri, dibattiti e manifestazioni collaterali.
· Promuovere incontri e approfondimenti con gli studenti delle scuole medie superiori per la diffusione del Teatro come portatore di cultura civile, in continuità con la fasi dell’apprendimento scolastico, anche in collaborazione con gli insegnanti più sensibili e in accordo con le istituzioni scolastiche.
· Stabilire un contatto diretto con chi gestisce le attività teatrali nella nostra regione, dando un contributo critico costruttivo e anche propositivo per il teatro e le attività connesse allo spettacolo teatrale.
· Valorizzare il Teatro Morlacchi come luogo fisico d’incontro e di scambio culturale anche al di là della semplice visione degli spettacoli.

Abbiamo avuto un incontro con la direzione del Teatro Morlacchi e del Teatro Stabile dell’Umbria, ottenendo la disponibilità a darci alcuni supporti necessari a sviluppare le nostre iniziative ovviamente nella nostra piena e totale libertà di azione. Possiamo quindi disporre, fin d’ora, di uno spazio fisico in un locale situato nell’edificio del teatro Morlacchi, dove poterci riunire e di una scrivania dotata di telefono e collegamento internet che ci consente di metterci in contatto con tutte le persone che vorranno partecipare da protagonisti a questa nostra idea.

Di questo primo nucleo di persone fanno parte:
Sergio Ragni - studioso di teatro, regista, autore di opere teatrali, e per molti anni docente di Storia del Teatro e dello Spettacolo all’Università per Stranieri di Perugia.
Alessandro Tinterri - docente di Storia del Teatro e dello Spettacolo e di Storia e Critica del Cinema all’Università degli Studi di Perugia.
Gianfranco Boiari - docente di Storia del Teatro e dello Spettacolo all’Università per Stranieri di Perugia,
Lina D’Andrea e Pasquale Guerra - insegnanti presso il Liceo Classico Mariotti di Perugia.
Sandro Allegrini – giornalista, critico letterario e teatrale.
Giorgio N. Phellas – Console di Cipro
Simone Gallinella – laureato in Storia del Teatro, critico teatrale, lavora in qualità di maschera/siparista presso il teatro Morlacchi.
Giorgia Sciannameo – esperta in grafica e comunicazione internet.
Molti altri amici in questi giorni ci stanno esprimendo interesse e voglia di partecipare.

Ci siamo già adoperati nel mettere in campo alcune piccole iniziative:
· Attivazione imminente di un blog per scambio di informazioni e idee.
· Partecipazione attiva agli incontri organizzati dal Teatro Stabile dell’Umbria il giovedì pomeriggio con i protagonisti della Stagione di prosa del Teatro Morlacchi.
· Stiamo studiando una sorta di giornale murale da affiggere periodicamente in una bacheca che ci ha messo a disposizione la direzione del Teatro Morlacchi nel foyer del teatro stesso.
· Alcuni di noi hanno dato la loro disponibilità a tenere incontri organizzati dagli insegnanti, con classi di studenti delle scuole medie superiori, su argomenti specifici riguardanti il Teatro in generale e/o spettacoli che potranno essere visti al Morlacchi.
· Eventuali trasferte, o “escursioni teatrali” per seguire spettacoli o appuntamenti fuori regione.

Ci farebbe molto piacere se anche Tu volessi entrare a far parte di questo gruppo di lavoro che non vogliamo chiamare associazione, proprio per non dargli un carattere burocratico e istituzionale. Pensiamo a un gruppo attivo e non a un’associazione alla quale semplicemente ci si iscrive. Poi, per il futuro non escludiamo che potrebbe anche acquisire una forma più istituzionalizzata, ma non è il nostro obiettivo immediato.
Se sei interessato o vuoi saperne di più contattaci quando vuoi e se intendi entrare a far parte del gruppo potrai partecipare al nostro prossimo incontro che si terrà lunedì 4 febbraio alle ore 17,30 presso il foyer del Teatro Morlacchi, messoci gentilmente a disposizione dal Teatro Stabile dell’Umbria.
Per il gruppo “Amici del Teatro”
Simone Gallinella

Tel. 075-57542228 oppure cell. 349-6490658
E-mail: amicidelteatro@hotmail.it oppure simone.gallinella@libero.it
recapito: Amici del Teatro, Via del Verzaro, 20 - 06123 Perugia

Nel - con Alessandro Bergonzoni

2008-03-24T20:36:00.000+01:00

Danza di morte - con Patrizia Milani, Paolo Bonacelli, Carlo Simoni

2008-03-24T17:38:00.000+01:00

Una crisi matrimoniale in divenire, accecante, nauseabonda. Una solitudine appestata da dipendenze. Questa la collisione che si verifica puntualmente ogni sera in palcoscenico tra una coppia di coniugi matura che si vomita addosso ripicche e antichi rancori. Lo spettacolo Danza di morte è in scena in questi giorni al Teatro Morlacchi di Perugia prodotto dal Teatro Stabile di Bolzano per la regia di Marco Bernardi. Il capolavoro di August Strindberg focalizza l'attenzione soprattutto sulla vita, sul matrimonio, sullo scontro titanico tra i sessi, su ateismo e religiosità, con un orizzonte che supera i confini angusti del naturalismo e della rappresentazione emblematica della vita per aprirsi a una prospettiva fondamentale per la poetica del maestro svedese di quei mesi: quella metafisica, mistica, rivolta a interrogarsi sul senso ultimo della vita e della morte con un presentimento di sublime, circolare rassegnazione, quest'ultima rievocata a più riprese nella scena realizzata da Gisbert Jaekel. Precursore di Bergman (Il posto delle fragole, Persona, Scene da un matrimonio, Fanny e Alexander) August Strindberg , con questo testo scritto nel 1900, grazie alla sua incomparabile sensibilità, porterà alla luce problematiche e inquietudini (vissute già in prima persona) che caratterizzano tutto il secolo passato e non solo. Famiglie già nate stanche. Indaffarate nel crepuscolo di ideali borghesi, si contemplano in torvi sgurdi, scorgendo lo squallore di scelte, dettate da non si sa chi. Rancore. Rabbia allo scoperto. Verso se stessi. Verso l'altro (da sé) e gli altri (da loro). Solitudine. Patrizia Milani, affascinante nella sua personalissima Alice, riesce a condensare e sintetizzare tutto questo. Sa far respirare il proprio personaggio mosso tra pensieri labirintici a volte illuminati a volte no. Paolo Bonacelli, invece, dà al suo Edgard un tono troppo uguale a se stesso, annullando interpretazioni che ogni pagina scritta sottintende, privandoci(si) del suo "mettersi in gioco".

Purificati - a cura di Antonio Latella

2008-03-24T17:11:00.000+01:00

Raramente ci capita l'opportunità di confrontarci con la drammaturgia teatrale contemporanea. L'esperimento portato a temine dal gruppo di giovani attori del CUT (centro universitario teatrale) di Perugia nello spettacolo Purificati di Sarah Kane, guidati dalla professionalità di Antonio Latella, con l'intento di sondare la straziante richiesta di aiuto dell'autrice è di quelli che ci riconciliano con un'arte teatrale che fa della fisicità e del contatto fisico-visivo con il suo pubblico, un'esperienza senza eguali. Nessun orpello, nessun inutile realismo, movimenti del corpo appena accennati, una forte plasticità,; tutto in Purificati è affidato al potere lacerante che la parola ha di evocare immagini, suscitare emozioni e alla straordinaria potenza visionaria del verbo. Un progetto quasi nato per caso, in cui il CUT ha raccolto le sue forze, la propria voglia di mettersi in gioco e di confrontarsi con autori "scomodi", ma che da anno sono la scommessa (vinta) del suo darsi al teatro in maniera cmpleta. Portato in scena in prima nazionale presso il Teatro Belli di Roma Trastevere, nella manifestazione "Garofano verde" curata da Rodolfo di Giammarco dello scorso anno, è in questi giorni in tourneé in Umbria. Dopo il doppio appuntamento di Foligno, fino al 9 marzo sarà presente a Perugia per poi spostarsi e concludere le sue recite umbre a Terni l'11 e il 12 marzo, al Video Centro Teatro C. Sarah Kane, difficile e controversa autrice anglosassone, ci dà l'opportunità, con le sue uniche cinque opere teatrali portate a compimento nella sua breve vita e sopratttutto con questo Purificati, di dare voce a quel lato oscuro e celato delle vostre emozioni. Impossibile nascondersi. Impossobile non seguire l'autrice in quel suo non scendere a compromessi. Un filo-nastro rosso che è il legame che sorregge lo spettacolo e tutta la sua poetica, simbolo di passione, di ricerca, amore e morte. Mai come in questo caso ci sentiamo presenti e dentro le parole che diventano suono e quell'innato desiderio,tipico dell'uomo e del suo teatro, di essere qualcos'altro. Una riceca che si conduce al di là della propria identità, individualità e sessualità, ma che si spinge inesorabilmente verso quell'idealedi umanità e purezza. Basta lasciarsi andare e il gioco è fatto. Questo il consiglio che l'autrice sembra suggerirci e che riecheggia tra le note dello spettacolo. Come non ricordare,infine, Carolina Balucani, le sue "Didascalie plastiche", quel suo dettare le atmosfere allo spettacoloe Marta Pellegrino, bellissima nella lucidità e sintesi, nell'esporci in poche battute, tutta la poetica di Grace-Kane impossibile da dimenticare.

Le storie del signor keuner - con Moni Ovadia

2008-03-24T17:07:00.001+01:00

Istruzioni per l'uso: "lo spettatore è avvertito che non troverà alcuna traccia narrativa in questo spettacolo". In un'avvertenza come questa, di presentazione allo spettacolo, viene descritto nel migliore dei modi, lo stato d'animo da esiliato di Bertolt Brecht sul finire della sua professione di drammaturgo.. Come trovare una traccia narrativa all'interno di una stanza emozionale da esiliao, di un uomo che ha fatto delle sue convinzioni e azioni a propria ragione di vita? "Le storie del signor Keuner" spettacolo in scena questa settimana al Teatro Morlacchi di Perugia, prodotto dal Teatro Stabile di Bologna per la regia di Roberto Andò e Moni Ovadia descrivono e ci parlano dell'amarezza di una consapevolezza da confinato. Rappresentazione che gode della traduzione attenta di Roberto Menin, delle musiche di Mario Arcari, Emilio Vallorani, Vincenzo Pasquariello, Massimo Marcer, delle animate scene di Gianni Carluccio e dei divertenti costumi di Elisa Savi, esprimono la proprietà di quel "fare" teatro di uno scrittore che conosce a pieno il suo mezzo espressivo. Ciò che non riconosce più , però, è l'ambiente che lo circonda, le proprie speranze, il suoi agito. In poche parole un esiliato, prima di tutto se stessa. Con Moni Ovadia, Lee Colbert, Roman Siwulak, Maxim Shamkov, Ivo Bucciarelli e la Moni Ovadia Stage Orchestra, "Le storie del signor Keuner", sono una raccolta di racconti brevi con l'intenzione di stimolare il lettore o l'ascoltatore a discutere su temi ancora attuali. Moni Ovadia e Roberto Andò ne fanno una rilettura che descrive il Signor Keuner come alter ego di Brecht perennemente in esilio anche dalle proprie carezze. Allontanato perchè oppositore del regime nazista, il grande drammaturgo fu privato di uno status di certezza legato anche ad alcune condizioni materiali. Una sensazione simile al distacco e all'isolamento Brecht la provò tornando in quella Berlino nella quale si era instaurato il comunismo da lui caldeggiato e che non tardò a dimostrare la propria natura ottusa. Cadde così nel più difficile degli esili: quello che si vive presso di sé. In questo orizzonte di lontananza dal senso, le istruzioni di Keuner si dimostrano più che attuale per noi che nella svolta del millennio l'abbiamo perduto e galleggiamo in una continua deriva senza morale di cui non si vede più la sorgente e di qui non appare ancora la foce. La mise en scene verterà su un'esposizione di reperti e frammenti di realtà con la volontà di preservare dallo scomparire nella virtualità. I reperti di realtà presenti nello spettacolo sono: un'orhestra, una cantante brechtiana, il curatore del museo il mafioso russo appasionato d'arte, un attore manichino kantoriano e altri personaggi bizzarri reali o di invenzione. Spettacolo affascinante animato, dove la disillusione dell'autore non viene sbattuta in faccia allo spettatore, ma si ricava sfogliandone, in privato, le immagini.

La parola ai giurati-Dodici uomini arrabbiati - con Alessandro Gassman

2008-03-24T17:01:00.001+01:00

Vi ricordate l'appassionante film Twelve Angry Man firmato dall'allora esordiente Sidney Lumet (Assassinio sull'Oriente Express, Quel pomeriggio di un giorno da cani), con l'indimenticata interpretazione di Henry Fonda? Ebbene, la compagnia del Teatro Stabile d'Abruzzo e la Società per attori, con il patrocinio di Amnesty International, è in scena in questi giorni al Teatro Morlacchi di Perugia con la versione teatrale diretta e interpretata da Alessandro Gassman, con il titolo di La parola ai giurati. Marrico Gammarota, Sergio Meogrossi, Fabio Busssotti, Paolo Fosso, Nanni Candelari, Emanuele Sace, Massimo Lello, Emanuele Mariabasso, Giacomo Rosselli, Giulio Federico Janni completano il cast recitativo dando vita ad un insieme di lodevole vivacità com un brioso felice risultato di recitazione. Le scene sono curate da Gianluca Amodia, mentre i costumi da Heiga H. Williams. E' il 15 agosto del 1950 in una New York stretta nella morsa dell'afa e una giuria popolare composta da 12 uomini di diversa estrazione sociale, età e origini sono chiusi in camere di consiglio per decidere del destino di un ragazzo ispano-americano accusato di parricidio. Devono raggiungere l'unanimità per mandarlo a morte e tutti sembrano convinti della sua colpevolezza, ma l'ottavo giurato si dissocia dagli altri componenti. Da qui prende le mosse un confronto estenuante e serrato con cui a poco a poco si infrangerà il granitico muro delle convinzioni, irrigidite dall'orgoglio e dal pregiudizio. La pièce si chiuderà con l'assoluzione dell'imputato in virtù dell'impossibilità di pervenire ad una certezza priva di un ragionevole dubbio. Si tratta di un teledramma scritto da Reginald Rose ambientato nell'America conformista e razzista degli anni 50, ma che presenta tuttavia molti punti in comune con la nostra società attuale. Gassman in occasione di questa sua seconda regia (La forza dell'abitudine di Bernhard la prima), ha scelto un tema secolare, un dilemma discusso, romanzato, filmato e rappresentato migliaia di volte, che proprio in questi giorni è nuovamente ritornato al centro del dibattito politico, evitando tuttavia con sobrio talento di produrre un'infinita serie di banalità e di luoghi comuni. Il suo è un colpo vibrante contro l'allucinata follia della pena di morte, che si avvale del tarlo corrosivo del dubbio, in cui egli introduce con convincente arguzia nelle strutture che reggono ostinatamente le nostre certezze decretando un crollo lento e inesorabile. L'allestimento è articolato in un impianto scenico di impostazione fissa che ci proietta in un'atmosfera fumosa e claustrofobica e si dispiega tra percorsi dialettici caratterizzati da toni accesi, violenti e rancorosi che mettono bene in luce l'inadeguatezza di un verdetto umano offuscato dal pesante condizionamento dei sentimenti e dei pregiudizi. Ne è risultato uno spettacolo coinvolgente in cui il pubblico, a dispetto del lieto fine, si ritrova tra le mani spunti di profondità psicologica e richiami aspri alle radici incerte delle proprie convinzioni. Sopra di tutti, in questa rappresentazione, ci piace citare e ricordare Manrico Gammarota con il suo personaggio da "giudice popolare", che sotto le vesti arroganti e violente, porta con sé, fin dentro la camera di consiglio, la propria sconfitta e il proprio rancore, mai rimosso, di padre tradito. Il suo impulso condizionerà visuali e giudizi, sfociando, nel finale, in un pianto liberatorio.